은혜의 발자취(www.blessing100.com)

 회색빛 출근길을 걷던 어느 날, 놀이터 한켠에서 인형탈을 쓴 아르바이트생이 아이들을 웃기려 과장된 몸짓을 하고 있었습니다. 중력을 무시하는 것처럼 보이는 그 동작을 보는 순간, 뇌리에 강하게 스친 영화가 있었습니다. 1988년작 <누가 로저 래빗을 모함했나(Who Framed Roger Rabbit)>. 실사와 애니메이션이 한 화면에 공존하며 서로의 존재를 의심하지 않는 그 세계는, 피곤한 현실을 살아가는 저에게 뜻밖의 위안이 됐습니다. 잉크로 빚은 하드보일드 누아르 영화를 처음 접했을 때 가장 먼저 든 생각은 "이게 어떻게 가능한 거지?"였습니다. CG가 본격화되기 전인 1988년, 제작진은 1만 8,000장에 달하는 셀 애니메이션 프레임을 실사 영상 위에 수작업으로 합성했습니다. 캐릭터 애니메이션을 총괄한 리처드 윌리엄스(Richard Williams)는 훗날 인터뷰에서 "모든 프레임마다 빛의 방향과 그림자를 실사와 일치시키는 데 집착했다"고 밝혔는데, 그 집착이 화면 위에 고스란히 드러납니다. 로저가 실재하는 쟁반을 들어 올릴 때 미세하게 흔들리는 동작, 에디의 손에 이끌려 이동할 때 옷깃이 실제처럼 튀는 디테일 — 이것이 이 영화가 30년이 지나도 '구식'으로 느껴지지 않는 이유입니다. 기술적 혁신만큼 인상적인 것은 이야기가 선택한 장르입니다. 감독 로버트 저메키스(Robert Zemeckis)는 화려한 애니메이션 뒤에 필름 누아르의 문법을 깔아 두었습니다. 1947년 로스앤젤레스라는 배경, 흑백 분위기의 골목, 알코올에 절어 트라우마를 안고 사는 탐정 에디 발리언트(밥 호스킨스 분). 에디는 '만화 캐릭터를 믿지 않는 사람'인데, 사실 그 감정은 단순한 편견이 아니라 형을 잃은 상실에서 비롯됩니다. 어른이 된 뒤 꿈을 닫아버린 사람의 초상이기도 하죠. 저는 에디를 처음 봤을 때 그가 제 직장 선배들을 닮았다고 생각했습니다. 한때는 열정적이었을 텐데, 언젠가부터 세상을 의...

1988년 겨울, 디즈니는 런던의 안개 대신 뉴욕의 네온사인을 택했습니다. 찰스 디킨스의 『올리버 트위스트』를 80년대 맨해튼 뒷골목으로 옮긴 애니메이션 뮤지컬 <올리버 앤 컴퍼니>. 주인공은 인간 아이가 아닌 노숙자 새끼 고양이고, 페이긴의 불량배단은 온통 개들로 가득합니다. 처음 들으면 황당하지만, 막상 보고 나면 그 선택이 얼마나 영리했는지 깨닫게 됩니다. 저는 이 영화를 제 삶에서 가장 거칠었던 겨울에 다시 만났고, 그 뒤로는 단순한 애니메이션으로 볼 수가 없게 되었습니다. 전설의 시작, 제작 비화 속 땀 냄새 이 영화가 세상에 나온 건 1984년 말 무렵의 한 피치 미팅에서 비롯됩니다. 마이클 아이즈너와 제프리 카첸버그가 스튜디오 스태프 20명을 불러 모아 아이디어를 제안하게 했는데, 스튜디오 내부에서 '공 쇼(Gong Show)'라고 불렸다는 이 회의에서 스토리 아티스트 피트 영이 던진 한마디가 역사를 바꿉니다. "개가 등장하는 올리버 트위스트." 다음 날 바로 개발 승인이 떨어졌고, 영화는 '올리버와 도저스'라는 작업 제목으로 빠르게 제작에 들어갔습니다. 그런데 처음부터 순탄하진 않았어요. 올리버와 도저는 처음엔 둘 다 새끼 고양이였다가 둘 다 개가 되기도 했습니다. 결국 올리버가 '다른 유형의 캐릭터'여야 고립감이 살아난다는 결론에 이르러, 올리버는 새끼 고양이로, 나머지 갱단은 개로 확정됩니다. 영화를 이끌어갈 든든한 캐릭터 리타는 초반 각본에서 훨씬 큰 역할이었는데, 도저와 올리버의 관계를 강조하는 방향으로 수정되면서 비중이 줄었습니다. 심지어 리타를 원작 낸시처럼 살해하는 버전도 초안에 있었을 만큼, 이 영화의 제작 과정은 수백만 장의 스토리 스케치와 수십 번의 각본 수정으로 점철됩니다. 빌리 조엘이 도저로 캐스팅된 경위도 꽤 흥미롭습니다. 조엘은 오랫동안 "카...

서른 살이 넘어서도 가끔 어린 시절 보던 영화를 떠올리며 가슴이 먹먹해질 때가 있다. 『용감한 작은 토스터』(1987)가 그런 영화다. 처음엔 그냥 가전제품이 주인공인 아이들 만화려니 했는데, 다시 보고 나서야 깨달았다. 이건 어른을 위한 이야기였구나. 버려지는 것에 대한 공포, 여전히 필요한 존재이고 싶다는 간절함. 나는 이 영화를 보며 서랍 속에 묵혀둔 낡은 빨간 라디오를 떠올렸다. 디즈니가 거절한 영화의 탄생 이 영화가 세상에 나오기까지의 과정은 줄거리만큼이나 극적이다. 원작은 토마스 M. 디쉬가 1980년에 쓴 동명의 중편소설로, 1982년에 월트 디즈니 스튜디오가 판권을 사들였다. 당시 디즈니에서 일하던 애니메이터 존 라세터는 이 작품을 컴퓨터 애니메이션으로 만들고 싶어 했다. 그런데 그 제안을 들은 디즈니 사장 론 밀러의 반응이 걸작이다. "컴퓨터를 쓰는 유일한 이유는 더 빠르거나 저렴하기 때문"이라며 거절한 것이다. 그리고 라세터는 그 회의가 끝나고 몇 분 후에 해고 통보를 받았다. 결국 영화는 하이페리온 픽처스로 넘어갔고, 원래 1,800만 달러였던 예산은 594만 달러로 줄었다. 세 배 가까이 깎인 예산이지만, 제작진은 오히려 그 제약을 에너지로 바꿨다. 캘아츠 출신 애니메이터들과 전직 디즈니 스태프들이 뭉쳤고, 로스앤젤레스에서 6개월간 사전 제작을 마친 뒤 대만 타이베이의 왕 필름 프로덕션에서 주요 애니메이션 작업을 이어갔다. 매일 디즈니에서 2주 치로 쳐지는 분량을 단 하루 만에 소화해내야 했다. 그 치열함이 화면 한 켜 한 켜에 배어있다. 감독 제리 리스는 성우 캐스팅에서도 남달랐다. 만화적으로 과장된 목소리를 지양하고, 즉흥 코미디 그룹 더 그라운들링스에서 배우를 찾았다. 존 러비츠, 필 하트먼, 디애나 올리버까지. 이들은 단순한 성우가 아니라 캐릭터를 살아있게 만드는 배우였다. 리스는 녹음 중 배우들이 대사를 자유롭게 다듬도록 ...

안개 자욱한 런던의 뒷골목, 거인들의 발밑 어딘가. 그 작은 세계에서 벌어지는 탐정극을 다시 꺼내 봤습니다. 잊고 지냈던 영화 한 편이 어느 한밤의 기억을 불쑥 건드렸고, 그 바람에 이 글을 씁니다. 비디오 세대라면 어렴풋이 기억할 <위대한 명탐정 바실>, 한번 제대로 들여다볼까요. 암흑기가 빚어낸 묘한 걸작 디즈니의 1980년대는 흔히 '암흑기'라 불립니다. 전성기와 르네상스 사이, 스튜디오가 방향을 잃고 더듬던 시절이죠. 그 시절 조용히 나온 <위대한 명탐정 바실>은 제작비 1,400만 달러에 약 3,870만 달러를 벌어들이며 중박을 쳤습니다. 화제는 되지 못했지만 지워지지도 않은 작품, 바로 그 애매한 자리가 이 영화의 숙명이었습니다. 원작이 따로 있다는 사실을 아는 분은 많지 않습니다. 1958년부터 1982년까지 미국 작가 이브 타이터스가 쓴 동화 시리즈 <베이커 가의 바실>이 바탕입니다. 셜록 홈즈를 직접 끌어오되 쥐의 눈높이로 재해석한 이 발상은, 단순히 캐릭터를 '동물로 치환'하는 수준을 훌쩍 넘어섭니다. 인간 세계와 쥐 세계가 공존하면서 생기는 기묘한 원근감, 거인들의 발밑에서 살아가는 존재들의 분투가 이 영화에 독특한 질감을 만들어냅니다. 이 작품 전후로 디즈니 애니메이션에 컴퓨터 그래픽이 본격 도입됐습니다. 특히 빅 벤 최후 결전 장면에서 CGI로 구현된 거대한 톱니바퀴들은, 당시로선 충격적인 입체감을 선사했습니다. 훗날 <인어공주>부터 <모아나>까지 6편의 명작을 쏟아낸 론 클레먼츠·존 머스커 콤비의 첫 번째 서명이 바로 이 작품입니다. 음악도 예사롭지 않습니다. <티파니에서 아침을>과 <셜록 홈즈와 나>의 사운드트랙으로 유명한 헨리 맨시니가 맡았으니까요. 유려하면서도 빅토리아 시대의 쓸쓸함을 머금은 그의 선율은 이 작은 탐정극에 품격...